Le surréalisme, est un mouvement artistique mettant l’accent sur le subconscient des artistes, où l’artiste se concentre sur leur imagination, pour l’imagerie ou pour exploiter des juxtapositions inattendues. Ces juxtapositions sont inattendues, car l’apparence des formes/sujets n’a pas l’air réelle, et s’oppose à la réalité.

Dans les œuvres surréalistes, les sujets semblent hors de la réalité, en fait certaines œuvres surréalistes sont inspirées par les rêves de l’artiste. Cela signifie l’union des pensées conscientes et inconscientes, comme si un rêve ou un fantasme devenait réel, également appelé surréaliste. Le mouvement a fait que les artistes trouvent la beauté dans les sujets inattendus et étranges. Le monde surréaliste suggère au-delà de la réalité, c’est aussi une combinaison de réalisme et d’imagination.

Quelles sont les caractéristiques du surréalisme ?

Dans le surréalisme, l’artiste écrit ses propres pensées sans aucun arrêt ni structure, c’est ce qu’on appelle l’écriture automatique. La juxtaposition des formes dans une peinture surréaliste montre généralement des images pour assembler des objets non pertinents. Cependant, même si elles peuvent ne pas être pertinentes, les surréalistes essaient de mettre en association les 2 objets du surréalisme, en utilisant l’inconscient, et en rendant ces associations avec de telles Juxtapositions.

Une caractéristique clé du surréalisme est que l’artiste s’appuie sur son inconscient, mais la réalité et le conscient se combinent avec cet état de conscience lorsque l’inconscient trouve un moyen d’exprimer la réalité et de la rendre dans les toiles que ces artistes réalisent. Certains artistes peuvent utiliser le Rêve et la Fantaisie pour exprimer la réalité, ce qui peut créer un dessin onirique qui a un sens, tandis que d’autres dépendent simplement de l’endroit où leur subconscient les amène, tout comme dans l’automatisme.

De nombreuses techniques peuvent être utilisées comme le frottage, où la texture sous le papier est imprimée sur le papier en l’implémentant à l’aide d’outils comme le crayon de cire. Le dessin automatique est un exemple de dessin simple sans aucune planification du conscient, tandis que la peinture automatique dessinait des formes autour de formes formées au hasard, qui peuvent être faites en appliquant du sable et de la colle sur la toile.

Qui sont les artistes marquants de ce mouvement artistique et de leur style artistique ?

Salvador Dali (Onirique) – Salvador Dali était un surréaliste important, né le 11 mai 1904 à Figueres (Gérone), fils de Salvador Dali Cusi hand Felipa Domenech Ferres. En 1908, Anna Maria, la petite sœur de Salvador, est née et Salvador est inscrit à l’école primaire publique, sous la direction de l’enseignant Esteve Trayter. En 1910, il est inscrit dans une école hispano-française, pour apprendre le français, son futur véhicule culturel.

Dans les années 1920, il est accepté à l’Académie de San Fernando à Madrid, puis 4 ans plus tard, il est expulsé car il ne veut pas que ses œuvres soient jugées par des examinateurs. Il avait expérimenté le futurisme et le cubisme, lors d’un voyage à Paris, André Breton lui montra le surréalisme. En 1925, sa première exposition personnelle a lieu à Barcelone. Après cela, il est retourné en Catalogne, où ses œuvres deviennent plus bizarres et grotesques.

En 1938, Salvador a été influencé par la psychanalyse de Sigmund Freud, alors qu’il avait fait évoluer son style artistique, et a été expulsé du surréalisme. Dans les années 1940, il s’associe à Alfred Hitchcock pour créer des séquences oniriques pour des films comme Spellbound. Dans les années 1950, il crée 19 toiles sur les thèmes de la religion, de l’histoire et de la science, qu’il appelle  » mysticisme nucléaire « . Il aimait l’idée de la géométrie, de l’ADN, de la divinité et des illusions visuelles. Dans les années 60, il se concentrait sur l’espace et la science, jouant avec des dimensions comme l’immortalité. Dans les années 70, sa santé avait commencé à décliner et il est décédé d’une insuffisance cardiaque le 23 janvier 1989.

Un effet énorme sur le style artistique de Salvador a été que sa mère était catholique religieuse et son père athée, ce qui a montré comment Salvador dessinait des mondes réels combinés avec des pensées et des croyances imaginatives, un peu comme ce qu’est vraiment le surréalisme. Dans sa rencontre avec Sigmund Freud, Salvador a utilisé la théorie freudienne, où il puise ses rêves et ses hallucinations dans des peintures rendues.

L’érotisme, la mort et même la décadence sont des thèmes qui traversent ses peintures, dans le cadre de sa réflexion sur les théories de la psychanalyse, il avait dessiné ses souvenirs d’enfance délibérément comme pour en faire une autobiographie. Il avait également montré des images facilement interprétées dans ses œuvres. Il faisait autrefois partie de la théorie de l’automatisme d’André Bretons, mais il a attiré des malentendus avec son conscient. Il dessine des paysages au bord de la mer, semblables à celui de sa maison à Figueres. Ses œuvres étaient plus oniriques.

André Breton (Automatisme) – André Breton est né le 19 février 1896 à Tinchebrady, en Normandie, en France. À un jeune âge, il a appris la médecine et la psychiatrie et a étudié les maladies mentales. Pendant la Première Guerre mondiale, il travaille dans des services psychiatriques à Nantes, tout en regardant les travaux de Sigmund Freud.

En 1916, il rejoint le mouvement dadaïste en France, avec d’autres artistes comme Man Ray, et Marcel Duchamp. Il avait aussi des œuvres littéraires majeures, où en 1920, il a écrit un livre de « Surréalisme » littéraire, intitulé « Les Champs magnétiques », qui a commencé l’écriture de l’automatisme surréaliste. En 1924, il fonde le Bureau de recherches surréalistes pour lancer le mouvement du surréalisme. En 1935, lors du « Congrès International des Écrivains pour la Défense de la Culture », il s’était disputé avec d’autres Surréalistes, de sorte que tous les Surréalistes étaient bannis du Congrès.

Avec la Seconde Guerre mondiale, il avait été dans le corps médical de son pays, les Français. Le gouvernement de Vichy disqualifiant ses écrits, André s’était donc enfui en 1941 aux États-Unis, où de 1953 à 1958, il avait écrit de nombreuses œuvres, notamment littéraires, mais aussi des œuvres d’art, comme des  » Manifestes des surréalismes « . De 1959 à 1965, il fait une exposition à Paris pour présenter l’ensemble de ses œuvres. André Breton était décédé à l’âge de 70 ans, à Paris, le 26 septembre 1966.

Le style artistique d’André Breton l’a amené à se concentrer sur le collage et la gravure, se concentrant parfois sur la combinaison de textes et d’images. Son idéologie était de combiner l’inconscient avec des symboles pour s’exprimer. Il se concentrait davantage sur l’automatisme aussi, où une fois que l’outil est sur la toile, il ne quitterait jamais la toile jusqu’à ce que le travail soit terminé, c’est comme écrire en cursive, où une fois que le crayon est sur le papier, il ne quitterait le papier qu’une fois qu’un mot est écrit. Les traits de l’outil sont contrôlés par l’inconscient de l’artiste.

Quand et où le surréalisme a-t-il commencé ?

Le surréalisme est né à la fin des années 1910 et au début des années 1920, et il a été officiellement évoqué par André Bréton, critique et poète, né en 1896 et décédé en 1966, alors qu’il avait publié le Manifeste du surréalisme.

Quels sont les mouvements artistiques avant et après le surréalisme ?

Avant le surréalisme, il y avait quelques mouvements. Un très bon exemple est le mouvement Dada, qui s’est produit autour de la Première Guerre mondiale, et il défiait la raison, mais contrairement au mouvement Dada, le surréalisme ne se concentrait pas sur la négation mais plutôt sur l’expression positive. Le surréalisme était également une alternative au cubisme, car il avait plus de liberté en termes de formes et de formes. L’art moderne, également réalisé par Salvador Dali, avait eu lieu après le surréalisme, il se concentrait sur la projection des sujets dans le monde en fonction de la propre perspective de l’artiste.

Pourquoi le surréalisme est-il unique parmi les autres mouvements artistiques ?

Ce qui rend le surréalisme différent, c’est que l’œuvre est davantage contrôlée par l’inconscient, pour voir la créativité et l’imagination dans leur plus pur esprit. Contrairement au dadaïsme, il n’était pas anti-art, il ne se limitait pas à la négation et à l’expression d’opinions avec d’autres facteurs comme la politique. Le surréalisme se concentre sur son imagination, certains artistes peuvent même utiliser leurs rêves, mais les œuvres ne sont pas claires, la nature des images n’a pas de sens, tout comme la nature de notre inconscient et de nos rêves.

Contrairement à la fantaisie, le surréalisme contient une certaine réalité, car c’est une combinaison de la réalité et de l’inconscient, et ils expriment une fois l’esprit, pas seulement en inventant des images différentes qui n’existeraient pas dans le monde réel. Dans le surréalisme, les images peuvent parfois sembler incomplètes, pas pleines de détails ou de variété, elles gardent des thèmes limités à quelques-uns, mais pas trop, c’est comme prendre une photo de son esprit, pas ce qu’elles imaginent simplement, ou regardent, mais expriment en utilisant l’inconscient et le monde réel conscient.

Comment les artistes surréalistes utilisent-ils les objets qui les entourent pour créer leurs œuvres ?

Les artistes surréalistes utilisent les objets qui les entourent de plusieurs façons. Par exemple, Salvador Dali avait utilisé des objets de sa mémoire d’enfance pour les mettre en œuvre dans ses œuvres, il est possible que le paysage de son tableau « La Persistance de la mémoire », fasse partie d’un bord de mer dans l’un des endroits où il a vécu, comme en Catalogne ou à Figueres. Cependant, une explication raisonnable est que les objets qui les entourent peuvent être utilisés comme stimuli de leurs pensées subconscientes, que le surréaliste rend dans la toile. L’essence, ou l’opinion derrière ces objets est exprimée par l’inconscient, ou les objets sont simplement combinés du point de vue que l’artiste veut regarder l’œuvre, comme dans le « Fils de l’Homme ».

Analyse

La persistance de la mémoire – Salvador Dali

Couleur et valeur : L’œuvre est basée sur des couleurs naturelles, les couleurs sont simplement basé sur le fait de montrer au public ce qu’est cet objet, n’y ajoutez aucune expression. Exemple: le ciel est coloré en bleu, simplement pour montrer que c’est le ciel. La valeur des couleurs est ajustée à l’endroit où la lumière du soleil est censée aller.

Par exemple: l’arrière-plan est plein de couleurs claires, c’est plus chaud, juste pour montrer la lumière du soleil qui se reflète sur la falaise, l’océan, et surtout le ciel montre le lever / coucher du soleil. Cependant, les tables sont dans des couleurs plus sombres, tout simplement parce que peu de lumière y atteint, et les couleurs commencent à y devenir un peu plus monochromes.

Ligne: L’œuvre utilise des lignes de manière appropriée, juste pour montrer clairement ce qui se passe. Les horloges ont plus de lignes courbes pour montrer qu’elles ne sont pas solides et plus fondantes, tandis que la table utilise des lignes droites géométriques pour montrer qu’elles sont rigides.

Forme: Les formes sont utilisées pour s’assurer que le public sait quels sont les objets, mais les formes des horloges ne semblent pas rigides, juste pour signifier que les horloges ne sont pas vraiment rigides.

Texture: La peinture est lisse, car la peinture veut simplement montrer un paysage et un aspect réaliste, de sorte que le style de peinture ne nécessite aucune technique spéciale pour montrer d’autres expressions.

Espace: Les objets ne sont pas compacts, la falaise et l’océan sont éloignés, tandis que les meubles et les horloges sont modérément séparés l’un de l’autre.

Forme: La forme est des objets 3D rendus sous des formes 2D, qui peuvent sembler réels, mais l’état des horloges est ce qui définit l’effet surréaliste, elle met cette image d’horloges non solides sur de vrais objets solides, combinant les pensées de l’inconscient avec le monde conscient où les réalités et les souvenirs sont rendus. Sa composition est pleine d’un décor ou d’un ciel montant, avec une falaise pour montrer une distance, et le mobilier du salon pour montrer l’emplacement des horloges. En plus de cela, les horloges sont la partie la plus symbolique de cette peinture, et ce sont les seules choses qui ajoutent un peu l’effet surréaliste, avec le fait qu’un salon est à l’extérieur dans la peinture.

Contraste: La juxtaposition de l’horloge de fusion sur le bord du meuble montre à quel point l’horloge est flexible, montre que l’horloge fond. Salvador a utilisé des choses comme use pour montrer d’autres effets aussi, comme lorsque vous trouvez un vieil endroit en décomposition, il est couvert d’insectes, de filets, etc. Il est intéressant de voir comment l’une des horloges est recouverte de fourmis, ce qui symbolise que l’horloge peut être vieille et en décomposition. C’est une très bonne technique que Salvador, où il laisse une trace de ce qui se passe comme objet dans le tableau, comme un indice sur une scène de crime. Salvador a également ajouté de l’obscurité, ou de l’ombre derrière des objets pour montrer les ombres, et donc la direction de la source de lumière.

Répétition et motif: Pour le dire simplement, il n’y a pas vraiment de motifs dans la peinture. Il peut y avoir une répétition ou un motif, puisque seules les horloges fondent, mais rien d’autre, montrant un symbole, mais aussi une règle générale dans cette peinture.

Emphase: Dans ce tableau, différentes couleurs sont utilisées pour mettre en valeur certains objets, comme la falaise est de couleur jaune, et l’horloge orange se détache simplement, et le positionnement de l’horloge juste à côté de l’horloge orange attire car c’est la seule horloge au bord de quelque chose. Toutes ces différences attirent très bien l’attention du public, et ces lieux montrent le sujet général de la peinture.

Balance: La balance est clairement affichée sur les horloges, elles montrent ce sentiment de stabilité dans l’image, et elles sont simplement suspendues à la branche, au canapé ou au bord du meuble de manière à avoir l’air statique, de sorte qu’elles sont toutes équilibrées et ne bougent pas.

Mouvement et rythme : Si les horloges ne bougent pas, alors quoi d’autre peut bouger dans cette peinture? Eh bien, le soleil semble se lever ou se coucher, ce qui montre que l’heure change constamment dans ce monde, ajoutant peut-être plus d’importance à ces horloges.

Unité: Le canapé, la branche et les autres meubles travaillent ensemble pour montrer le cadre d’une pièce intérieure, éventuellement un salon, et avec les horloges, ils peuvent être utilisés pour montrer que les horloges fondent, car ces meubles sont des endroits où les horloges peuvent s’accrocher.

Dessin automatique – André Masson

Couleur et valeur: Les couleurs sont à peu près absentes de l’image, il s’agit essentiellement d’un dessin de couleur noire, qui peut être utile comme il est clairement visible sur le fond blanc, le dessin est monochrome et les valeurs sont simplement sombres, avec un fond lumineux.

Ligne: Les lignes sont la partie la plus significative de l’image, elles sont continues sur toute l’image et se déplacent dans la direction vers laquelle le subconscient prend le dessin. Les lignes peuvent avoir différentes épaisseurs au fil du temps.

Forme: Les formes de ce dessin sont diverses, les formes dessinées peuvent représenter quelque chose, mais ne montrent pas vraiment ou ne clarifient pas ce qu’est cet objet. C’est comme lorsque nous imaginons, nos pensées peuvent nous faire imaginer des objets, mais nous ne pouvons pas vraiment penser à quelque chose comme où en le regardant, les détails sont juste assez pour aider la personne à savoir de quoi parle cette pensée. Par exemple: il y a une main qui tient une balle dans le coin supérieur gauche, et peut-être un cœur, juste au-dessus du milieu sur le côté droit.

Texture: Il n’y a pas vraiment de texture, car les formes ne sont pas remplies, mais les lignes semblent un peu lisses et abrasives à la fois, et si nous devions remplir certains objets, ils se sentiraient plus lisses et bosselés.

Espace: Dans ce dessin, tout, les lignes, sont si compactes, la zone sur le papier est essentiellement consommée, mais il reste encore de l’espace à la périphérie du dessin. C’est comme si tout le dessin était aussi un objet, une forme qui représente ce qu’est la peinture.

Forme: Le dessin ressemble simplement à 2D et tous les objets de ce dessin sont entièrement connectés les uns aux autres, dans un seul chemin, une seule ligne. La composition de tout ce dessin peut être démêlée en une ligne simple, mais c’est comme si la ligne était enchevêtrée d’une manière spécifique pour montrer des objets plus petits comme des mains à certains endroits du dessin.

Contraste: Il n’y a pas vraiment de juxtaposition spéciale pour changer l’apparence des objets, certains objets ont plus d’espace autour d’eux juste pour s’assurer qu’ils sont plus visibles. Les lignes ne sont pas remplies et aucun objet n’est vraiment séparé ou rempli de couleur, de sorte que les objets ne peuvent pas être placés pour créer un contraste / juxtaposition.

Répétition et motif: Le dessin n’est pas basé sur une répétition d’une peinture, les lignes vont dans la direction que le subconscient les prend, donc aucun motif ne peut être fait consciemment, et ce n’est clairement pas évident ce dessin.

Emphase: L’accent n’est mis que lorsqu’il y a un caractère unique dans les dessins. Dans ce dessin, certains objets ne sont pas encombrés de lignes, et ils peuvent facilement aller à l’avant et se démarquer. Une chose qui peut mettre davantage l’accent sur les objets de ce dessin est les formes reconnaissables, comme les mains et les cœurs, car le subconscient du public rend le public plus conscient de l’existence de ces figures reconnaissables.

Balance: Le dessin est complètement déséquilibré, rien de symétrique, ou toute forme vraiment claire et reconnaissable, ou les objets radiaux ne sont pas dans l’image. L’inconscient a pris les lignes à n’importe quelle forme qui n’aurait pas d’équilibre, et c’est habituel, car l’artiste travaille plus dur pour créer une symétrie, une clarté, un objet reconnaissable ou un objet radial, de sorte que le conscient a un rôle plus important dans la fabrication de ces objets. Cependant, il s’agit d’une technique de dessin automatique, de sorte que de tels objets produits consciemment ne peuvent pas être fabriqués.

Rythme du mouvement: Il n’y a pas de décisions conscientes pour montrer de nombreux événements se déroulant dans l’image, donc un mouvement ou un rythme est possible.

Unité: Tout dans cette image fonctionne ensemble pour créer une forme, car il est important de savoir que ce dessin n’est qu’une ligne, donc tout dans ce dessin est techniquement dans l’unité.
Comparer et contraster

Conclusion

En conclusion, les artistes peuvent utiliser des objets autour d’eux pour créer des illusions visuelles en demandant à leur subconscient de se faire une opinion et de projeter un rêve ou une pensée sur l’objet. En rendant un tel résultat inconscient à un morceau de toile, de telles illusions visuelles de rêves ou de fantaisie peuvent être vues dans diverses œuvres d’art, comme dans le surréalisme.

Les idées et les thèmes utilisés par les surréalistes dépendent vraiment des artistes eux-mêmes, mais une idée commune est un peu philosophique, comme regarder l’immortalité, la vie, la mémoire et le temps sous différents angles, à la manière de Salvador Dali, mais aussi de s’immerger dans son propre subconscient et de le rendre à la réalité, à la manière d’André Masson. L’imagination, l’inconscient et le conscient sont les 3 idées et thèmes principaux du surréalisme.

Les œuvres surréalistes peuvent changer au fil du temps, en raison des nouvelles idéologies, et des objets qui peuvent les inspirer, comme dans tous les types d’art. Cependant, pour le surréalisme, le changement se produirait également à cause de différentes façons de penser, puisque la pensée est faite par le subconscient, par conséquent, dans les œuvres surréalistes, où l’inconscient et le conscient se combinent, des changements se produisent définitivement.

Dans le surréalisme, les pensées d’un artiste sont plus exploitées, les expressions sont plus exposées, montrant clairement les croyances personnelles et culturelles de l’artiste. Leurs significations peuvent être modifiées en fonction de la façon dont les symboles des objets des œuvres sont interprétés, donnant ainsi un sens multiple à l’expression créative qui provient des racines de l’esprit des artistes.

1)Abouzaki, Nayef, « Le Style unique de Salvador Dali », http://www.people.vcu.edu/~djbromle/modern-art/04/nayefa/index.htm, Consulté le 2 mai 2018.

2) Mann, Jon, « Comment le Mouvement surréaliste a façonné le Cours de l’Histoire de l’art », https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-what-is-surrealism, Consulté le 2 mai 2018.

3)Auteur inconnu, « Un siècle de Salvador Dali », http://thedali.org/timeline/, chronologie, Consulté le 2 mai 2018.

4)Auteur inconnu, « Biographie d’André Breton », https://www.thefamouspeople.com/profiles/andre-breton-697.php, THE FAMOUS PEOPLE, Consulté le 2 mai 2018.

5)Auteur inconnu, « André Breton », http://www.theartstory.org/artist-breton-andre.htm, THE ART STORY, Consulté le 2 mai 2018.

6)Auteur inconnu, « Dessin automatique », https://www.moma.org/learn/moma_learning/andre-masson-automatic-drawing, MoMA LEARNING, Consulté le 2 mai 2018.

7)Auteur inconnu, « Elements and Principles of Art Charts », http://www.speedyschoolsupplies.com.au/elements-and-principles-of-art-charts, Speedy School Supplies, Consulté le 2 mai 2018.

8)Auteur inconnu, « Salvador Dalí », http://www.theartstory.org/artist-dali-salvador.htm, THE ART STORY, Consulté le 2 mai 2018.

9)Auteur inconnu, « Surrealism », https://www.britannica.com/art/Surrealism, Encyclopaedia Britannica, Consulté le 2 mai 2018.

10)Auteur inconnu, « CARACTÉRISTIQUES DU SURRÉALISME », https://www.shmoop.com/surrealism/characteristics.html, shmoop, Consulté le 2 mai 2018.

11)Auteur inconnu. « SURREALISM », http://www.tate.org.uk/art/art-terms/s/surrealism, TATE, Consulté le 2 mai 2018.

12) Auteur inconnu,  » Surréalisme (c.1924-2004) », http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/surrealism.htm, Visual Arts Cork, Consulté le 2 mai 2018.

13)Auteur inconnu, « La persistance de la mémoire », https://www.moma.org/learn/moma_learning/1168-2, MoMA LEARNING, Consulté le 2 mai 2018.

14)Voorhies, James, « Surrealism », https://www.metmuseum.org/toah/hd/surr/hd_surr.htm, Metropolitan Museum of Art, Consulté le 2 mai 2018.

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