Der Surrealismus ist eine künstlerische Bewegung, die sich auf das Unterbewusstsein des Künstlers konzentriert, wobei sich der Künstler auf seine Vorstellungskraft konzentriert, um Bilder zu erstellen oder unerwartete Gegenüberstellungen auszunutzen. Diese Gegenüberstellungen sind unerwartet, weil das Erscheinungsbild der Formen / Subjekte nicht real aussieht und der Realität entgegensteht.

In surrealistischen Kunstwerken sehen die Motive aus wie aus der Realität, tatsächlich sind einige surrealistische Kunstwerke von den Träumen des Künstlers inspiriert. Es bedeutet die Vereinigung der bewussten und der unbewussten Gedanken, als ob ein Traum oder eine Fantasie real wird, auch bekannt als surreal. Die Bewegung ließ Künstler Schönheit in den unerwarteten und unheimlichen Themen finden. Der Weltsurrealist schlägt jenseits der Realität vor, es ist auch eine Kombination aus Realismus und Vorstellungskraft.

Was zeichnet den Surrealismus aus?

Im Surrealismus schreibt der Künstler seine eigenen Gedanken ohne Unterbrechung oder Struktur auf, dies wird als automatisches Schreiben bezeichnet. Das Nebeneinander der Formen in einem surrealistischen Gemälde zeigt normalerweise Bilder, um irrelevante Objekte zusammenzusetzen. Obwohl sie irrelevant sein mögen, versuchen Surrealisten, die 2 Objekte des Surrealismus mit dem Unbewussten in Verbindung zu bringen und diese Assoziationen mit solchen Gegenüberstellungen zu verbinden. Ein Schlüsselmerkmal des Surrealismus ist, dass der Künstler sich auf sein Unbewusstes verlässt, aber die Realität und das Bewusstsein verbinden sich mit diesem Bewusstseinszustand, wenn das Unbewusste einen Weg findet, die Realität auszudrücken und in die Leinwände zu rendern, die diese Künstler machen. Einige Künstler können Träume und Fantasie verwenden, um die Realität auszudrücken, und dies kann eine traumhafte Zeichnung erzeugen, die Bedeutung hat, während andere einfach davon abhängen, wohin ihr Unterbewusstsein sie bringt, genau wie im Automatismus.

Viele verschiedene Techniken können verwendet werden, wie Frottage, wo die Textur unter dem Papier auf das Papier aufgedruckt wird, indem es mit Werkzeugen wie dem Wachsmalstift implementiert wird. Das automatische Zeichnen ist ein Beispiel für das einfache Zeichnen ohne Planung des Bildes, während das automatische Malen Formen um zufällig geformte Formen zeichnete, die durch Auftragen von Sand und Klebstoff auf die Leinwand hergestellt werden können.

Wer sind die bedeutenden Künstler dieser Kunstbewegung und ihr künstlerischer Stil?

Salvador Dali (Traumhaft) – Salvador Dali war ein bedeutender Surrealist, geboren am 11.Mai 1904 in Figueres (Girona), Sohn von Salvador Dali Cusi und Felipa Domenech Ferres. 1908 wurde Anna Maria, Salvadors kleine Schwester, geboren und Salvador wurde in die staatliche Grundschule unter dem Lehrer Esteve Trayter eingeschrieben. 1910 wurde er in eine spanisch-französische Schule eingeschrieben, um Französisch zu lernen, sein zukünftiges kulturelles Vehikel.

In den 1920er Jahren wurde er an die San Fernando Academy in Madrid aufgenommen, 4 Jahre später wurde er ausgewiesen, da er nicht wollte, dass seine Kunstwerke von Prüfern beurteilt wurden. Er hatte mit Futurismus und Kubismus experimentiert, auf einer Reise nach Paris zeigte ihm Andre Breton den Surrealismus. 1925 fand seine erste Einzelausstellung in Barcelona statt. Danach kehrte er nach Katalonien zurück, wo seine Kunstwerke bizarrer und grotesker wurden.

1938 wurde Salvador von der Psychoanalyse Sigmund Freuds beeinflusst, als er seinen Kunststil weiterentwickelt hatte, und aus dem Surrealismus ausgeschlossen. In den 1940er Jahren arbeitete er mit Alfred Hitchcock zusammen, um traumhafte Sequenzen für Filme wie Spellbound zu erstellen. In den 1950er Jahren schuf er 19 Leinwände mit Themen aus Religion, Geschichte und Wissenschaft, die er „nukleare Mystik“ genannt hatte. Er liebte die Idee von Geometrie, DNA, Göttlichkeit und visuellen Illusionen. In den 60er Jahren konzentrierte er sich auf Weltraum und Wissenschaft und spielte mit Dimensionen wie Unsterblichkeit herum. In den 70er Jahren begann sich sein Gesundheitszustand zu verschlechtern und er starb am 23.Januar 1989 an Herzversagen.Ein großer Einfluss auf Salvadors künstlerischen Stil war, dass seine Mutter eine religiöse Katholikin war und sein Vater ein Atheist war, was zeigte, wie Salvador über reale Welten zeichnete, kombiniert mit den einfallsreichen Gedanken und Überzeugungen, ähnlich wie der Surrealismus wirklich ist. Im Rahmen seiner Begegnung mit Sigmund Freud hat Salvador die Freudsche Theorie verwendet, in der er seine Träume und Halluzinationen in gerenderten Gemälden zeichnet. Erotik, Tod und sogar Verfall sind Themen, die in seinen Gemälden vorkommen, als Teil seiner Reflexion psychoanalytischer Theorien hatte er seine Kindheitserinnerungen absichtlich wie zu einer Autobiographie gezeichnet. Er hatte auch in seinen Werken leicht interpretierbare Bilder gezeigt. Er war einst Teil von Andre Bretons Theorie des Automatismus, aber er zog Missverständnisse zusammen mit seinem Bewusstsein. Er zeichnet Landschaften am Meer, ähnlich der in seinem Haus in Figueres. Seine Werke waren eher traumhaft.André Breton (Automatismus) – André Breton wurde am 19.Februar 1896 in Tinchebrady, Normandie, Frankreich geboren. In jungen Jahren lernte er Medizin und Psychiatrie kennen und studierte psychische Erkrankungen. Während des 1. Weltkriegs arbeitete er auf psychiatrischen Stationen in Nantes, während er sich die Werke von Sigmund Freud ansah. 1916 schloss er sich der dadaistischen Bewegung in Frankreich an, mit anderen Künstlern wie Man Ray und Marcel Duchamp. 1920 schrieb er ein Buch über literarischen „Surrealismus“ mit dem Titel „Les Champs magnetiques“ (Magnetfelder), das mit dem Schreiben des surrealen Automatismus begann. 1924 gründete er das Bureau of Surrealist Research, um die Bewegung des Surrealismus zu starten. 1935 hatte er sich auf dem „Internationalen Schriftstellerkongress zur Verteidigung der Kultur“ mit anderen Surrealisten gestritten, so dass alle Surrealisten vom Kongress ausgeschlossen wurden.

Zusammen mit dem 2. Weltkrieg war er in das medizinische Korps für sein Land, die Franzosen, eingetreten. Die Vichy-Regierung disqualifizierte seine Schriften, so dass André 1941 in die USA geflohen war, wo er von 1953 bis 1958 zahlreiche Werke geschrieben hatte, darunter Literatur und auch Kunstwerke wie „Manifeste des Surrealismus“. Von 1959 bis 1965 stellte er in Paris alle seine Werke aus. André Breton starb am 26.September 1966 im Alter von 70 Jahren in Paris.

André Bretons künstlerischer Stil beinhaltete, dass er sich auf Collage und Druckgrafik konzentrierte und sich manchmal auf die Kombination von Texten und Bildern konzentrierte. Seine Ideologie war es, das Unbewusste mit Symbolen zu kombinieren, um sich auszudrücken. Er konzentrierte sich auch mehr auf den Automatismus, wo, sobald das Werkzeug auf der Leinwand ist, es die Leinwand nie verlassen würde, bis die Arbeit erledigt ist, es ist wie in Kursivschrift zu schreiben, wo, sobald der Bleistift auf dem Papier ist, es würde nur das Papier verlassen, sobald ein Wort geschrieben ist. Die Striche des Werkzeugs werden vom Unbewussten des Künstlers gesteuert.

Wann und wo begann der Surrealismus?

Der Surrealismus entstand in den späten 1910er und frühen 1920er Jahren und wurde offiziell von Andre Bréton, einem 1896 geborenen und 1966 verstorbenen Kritiker und Dichter, aufgezogen, als er das Manifest des Surrealismus veröffentlicht hatte.

Welche Kunstströmungen gab es vor und nach dem Surrealismus?

Vor dem Surrealismus gab es einige Bewegungen. Ein wirklich gutes Beispiel sind die Dada-Bewegungen, die um den 1. Weltkrieg herum stattfanden und sich der Vernunft widersetzten, aber im Gegensatz zur Dada-Bewegung konzentrierte sich der Surrealismus nicht auf Negation, sondern auf positiven Ausdruck. Der Surrealismus war auch eine Alternative zum Kubismus, weil er mehr Freiheit in Bezug auf die Formen und Formen hatte. Die moderne Kunst, die auch von Salvador Dali gemacht wurde, war nach dem Surrealismus entstanden, sie konzentrierte sich darauf, die Subjekte basierend auf der eigenen Perspektive des Künstlers in die Welt zu projizieren.

Warum ist der Surrealismus unter anderen Kunstströmungen einzigartig?

Was den Surrealismus unterscheidet, ist, dass das Kunstwerk mehr vom Unbewussten kontrolliert wird, um die Kreativität und Vorstellungskraft in ihrer reinsten Form aus dem eigenen Kopf zu sehen. Im Gegensatz zum Dadaismus war es keine Anti-Kunst, es beschränkte sich nicht auf Negation und Meinungsäußerung mit anderen Faktoren wie Politik. Der Surrealismus konzentrierte sich auf die eigene Vorstellungskraft, einige Künstler können sogar ihre Träume nutzen, aber die Kunstwerke sind nicht klar, die Natur in den Bildern macht keinen Sinn, genau wie die Natur unseres Unbewussten und unserer Träume. Im Gegensatz zur Fantasie hat der Surrealismus eine gewisse Realität, da er eine Kombination aus der Realität und dem Unbewussten ist, und sie drücken den Geist aus und bilden nicht nur verschiedene Bilder, die in der realen Welt nicht existieren würden. Im Surrealismus fühlen sich die Bilder manchmal unvollständig an, nicht voller Details oder Vielfalt, sie halten Themen auf wenige beschränkt, aber nicht zu viele, es ist, als würde man ein Foto des eigenen Geistes machen, nicht das, was man sich einfach vorstellt oder ansieht, sondern ausdrücken, indem man das Unbewusste und die bewusste reale Welt benutzt.

Wie nutzen surrealistische Künstler Objekte um sich herum, um ihre Kunstwerke zu schaffen?

Surrealistische Künstler nutzen die Objekte um sie herum auf vielfältige Weise. Salvador Dali hatte zum Beispiel Objekte aus seiner Kindheitserinnerung in seine Kunstwerke umgesetzt, es ist möglich, dass die Landschaft aus seinem Gemälde „The Persistence of Memory“ Teil einer Küste an einem der Orte ist, an denen er lebte, wie in Katalonien oder Figueres. Eine vernünftige Erklärung ist jedoch, dass die Objekte um sie herum als Stimuli für ihre unbewussten Gedanken verwendet werden können, die der Surrealist in die Leinwand rendert. Die Essenz oder die Meinung hinter diesen Objekten wird durch Unbewusstes ausgedrückt, oder die Objekte werden einfach aus der Perspektive kombiniert, aus der der Künstler das Kunstwerk betrachten möchte, wie im „Menschensohn“.

Analyse

Die Beständigkeit der Erinnerung – Salvador Dali

Farbe und Wert: Das Kunstwerk basiert auf natürlichen Farben, die Farben basieren einfach darauf, dem Publikum zu zeigen, was dieses Objekt ist, fügen Sie keinen Ausdruck hinzu. Beispielsweise: der Himmel ist blau gefärbt, nur um zu zeigen, dass das der Himmel ist. Der Wert in den Farben wird an die Richtung des Sonnenlichts angepasst.

Zum Beispiel: Der Hintergrund ist voller heller Farben, das ist warmer, nur um das Sonnenlicht zu zeigen, das von der Klippe reflektiert wird, das Meer und vor allem der Himmel zeigt den Sonnenaufgang / Sonnenuntergang. Die Tische sind jedoch in dunkleren Farben gehalten, einfach weil dort nicht viel Licht ankommt und die Farben dort etwas monochromatischer werden.

Linie: Das Kunstwerk verwendet Linien angemessen, nur um deutlich zu zeigen, was vor sich geht. Die Uhren haben mehr gekrümmte Linien, um zu zeigen, dass sie nicht fest sind, und mehr davon, während der Tisch geometrische, gerade Linien verwendet, um zu zeigen, dass sie starr sind.

Form: Die Formen werden verwendet, um sicherzustellen, dass das Publikum weiß, was die Objekte sind, aber die Formen der Uhren sehen nicht starr aus, nur um anzuzeigen, dass die Uhren nicht wirklich starr sind.Textur: Das Gemälde fühlt sich glatt an, da das Gemälde einfach eine Landschaft zeigen und realistisch aussehen möchte, so dass der Malstil keine speziellen Techniken erfordert, um andere Ausdrücke zu zeigen.

Raum: Die Objekte sind nicht kompakt zusammen, die Klippe und das Meer sind weit weg, während die Möbel und die Uhren mäßig voneinander entfernt sind.

Form: Die Form sind 3D-Objekte, die in 2D-Formen gerendert werden, die real aussehen können, aber der Zustand der Uhren ist das, was den Surrealismus-Effekt ausmacht, es setzt dieses Bild von nicht festen Uhren auf reale feste Objekte und kombiniert die Gedanken des Unbewussten mit der bewussten Welt, in der Realitäten und Erinnerungen gerendert werden. Seine Zusammensetzung ist voll von einer Einstellung oder steigenden Himmel, mit einer Klippe, um eine Entfernung zu zeigen, und die Wohnzimmermöbel, um die Position der Uhren zu zeigen. Darüber hinaus sind die Uhren der symbolischste Teil dieses Gemäldes, und sie sind die einzigen Dinge, die den Surrealismus-Effekt hinzufügen, zusammen mit der Tatsache, dass sich ein Wohnzimmer draußen im Gemälde befindet.

Kontrast: Die Gegenüberstellung der schmelzenden Uhr am Rand des Möbels zeigt, wie flexibel die Uhr ist, zeigt, dass die Uhr schmilzt. Salvador hat Dinge wie use verwendet, um auch einige andere Effekte zu zeigen, wie wenn man einen alten verfallenden Ort findet, ist er mit Insekten, Netzen usw. bedeckt. Es ist interessant, wie eine der Uhren mit Ameisen bedeckt ist, was symbolisiert, dass die Uhr alt und verfallen sein kann. Das ist eine sehr gute Technik, die Salvador, wo er hinterlässt eine Spur von dem, was passiert, als Objekt in der Malerei, wie ein Hinweis in einem Tatort. Salvador fügte auch Dunkelheit hinzu oder schattierte hinter Objekten, um die Schatten zu zeigen, und so die Richtung, wo die Lichtquelle ist.

Wiederholung und Muster: Um es einfach auszudrücken, es gibt nicht wirklich irgendwelche Muster in der Malerei. Es kann eine Wiederholung oder ein Muster geben, da nur Uhren schmelzen, aber nichts anderes, das ein Symbol, aber auch eine allgemeine Regel in diesem Gemälde zeigt.Betonung: In diesem Gemälde werden verschiedene Farben verwendet, um einige Objekte hervorzuheben, wie die Klippe ist gelb gefärbt, und die orangefarbene Uhr fällt einfach auf, und die Positionierung der Uhr direkt neben der orangefarbenen Uhr zieht an, da sie die einzige Uhr am Rand von etwas ist. All diese Unterschiede erregen die Aufmerksamkeit des Publikums sehr gut, und diese Orte zeigen das Gesamtthema des Gemäldes.

Balance: Die Balance wird deutlich auf den Uhren gezeigt, sie zeigen dieses Gefühl der Stabilität im Bild, und sie hängen einfach so am Ast, am Sofa oder an der Kante der Möbel, dass sie statisch aussehen, also sind sie alle ausgeglichen und bewegen sich nicht.Bewegung und Rhythmus: Wenn sich die Uhren nicht bewegen, was kann sich dann noch in diesem Gemälde bewegen? Nun, die Sonne scheint aufzugehen oder unterzugehen, was zeigt, dass sich die Zeit in dieser Welt ständig ändert, was diesen Uhren vielleicht mehr Bedeutung verleiht.

Einheit: Das Sofa, der Zweig und die anderen Möbel arbeiten zusammen, um die Einstellung eines Innenraums, möglicherweise eines Wohnzimmers, zu zeigen, und zusammen mit den Uhren können sie verwendet werden, um zu zeigen, dass die Uhren schmelzen, da diese Möbelstücke Orte sind, an denen die Uhren hängen können.

Automatische Zeichnung – André Masson

Farbe und Wert: Die Farben sind im Bild ziemlich abwesend, dies ist im Grunde eine Zeichnung mit schwarzer Farbe, die nützlich sein kann, da sie vor dem weißen Hintergrund deutlich sichtbar ist , die Zeichnung ist monochromatisch, und die Werte sind einfach dunkel, mit einem hellen Hintergrund.

Zeile: Die Linien sind der bedeutendste Teil des Bildes, sie sind durchgehend über das gesamte Bild und bewegen sich in die Richtung, in die das Unterbewusstsein die Zeichnung nimmt. Die Linien können im Laufe der Zeit unterschiedliche Dicken haben.Die gezeichneten Formen können etwas darstellen, zeigen oder verdeutlichen jedoch nicht wirklich, was dieses Objekt ist. Das ist wie wenn wir uns vorstellen, unsere Gedanken können uns Objekte vorstellen, aber wir können nicht wirklich an so etwas denken, wenn wir es betrachten, die Details sind gerade genug, um der Person zu helfen, zu wissen, worum es bei diesem Gedanken geht. Zum Beispiel: Es gibt eine Hand, die einen Ball in der oberen linken Ecke hält, und möglicherweise ein Herz, direkt über der Mitte auf der rechten Seite.

Textur: Es gibt nicht wirklich eine Textur, da die Formen nicht ausgefüllt sind, aber die Linien fühlen sich gleichzeitig ein bisschen glatt und abrasiv an, und wenn wir einige Objekte füllen würden, würden sie sich eher glatt und holprig anfühlen.

Raum: In dieser Zeichnung ist alles, die Linien, so kompakt, dass die Fläche auf dem Papier im Grunde genommen verbraucht ist, aber am Rande der Zeichnung bleibt noch Platz. Es ist, als wäre die ganze Zeichnung auch ein Objekt, eine Form, die darstellt, worum es in dem Gemälde geht.

Form: Die Zeichnung sieht einfach 2D aus und alle Objekte in dieser Zeichnung sind vollständig miteinander verbunden, in nur einem Pfad, nur einer Linie. Die Komposition dieser ganzen Zeichnung kann zu einer einfachen Linie entwirrt werden, aber es ist, als ob die Linie auf eine bestimmte Weise verheddert ist, um kleinere Objekte wie Hände an einigen Stellen der Zeichnung zu zeigen.

Kontrast: Es gibt nicht wirklich eine spezielle Gegenüberstellung, um das Aussehen der Objekte zu ändern, einige Objekte haben mehr Platz um sie herum, nur um sicherzustellen, dass sie besser sichtbar sind. Die Linien sind nicht gefüllt, und keine Objekte sind wirklich getrennt oder mit Farbe gefüllt, so dass Objekte nicht platziert werden können, um einen Kontrast / Nebeneinander zu schaffen.Wiederholung und Muster: Die Zeichnung basiert nicht auf einer Wiederholung eines Gemäldes, die Linien verlaufen in die Richtung, in die das Unterbewusstsein sie nimmt, so dass kein Muster bewusst gemacht werden kann, und es ist eindeutig nicht offensichtlich in dieser Zeichnung.

Betonung: Die Betonung wird nur gezeigt, wenn die Zeichnungen eindeutig sind. In dieser Zeichnung sind einige Objekte nicht mit Linien überfüllt, und sie können leicht nach vorne gehen und auffallen. Eine Sache, die den Objekten in dieser Zeichnung mehr Nachdruck verleihen kann, sind erkennbare Formen wie Hände und Herzen, da das Unterbewusstsein des Publikums das Publikum für die Existenz dieser erkennbaren Figuren bewusster macht.

Balance: Die Zeichnung ist völlig aus dem Gleichgewicht geraten, nichts Symmetrisches oder irgendeine Form, die wirklich klar und erkennbar ist, oder radiale Objekte sind nicht im Bild. Das Unbewusste hat die Linien in jede Form gebracht, die kein Gleichgewicht hätte, und das ist üblich, da der Künstler härter arbeitet, um Symmetrie, Klarheit, erkennbares Objekt oder radiales Objekt zu schaffen, so dass das Bewusstsein eine bedeutendere Rolle bei der Herstellung dieser Objekte spielt. Dies ist jedoch eine Technik des automatischen Zeichnens, so dass solche bewusst produzierten Objekte nicht hergestellt werden können.Bewegungsrhythmus: Es gibt keine bewussten Entscheidungen, um viele Ereignisse im Bild zu zeigen, so dass eine Bewegung oder ein Rhythmus möglich ist.

Einheit: Alles in diesem Bild arbeitet zusammen, um eine Form zu schaffen, denn es ist wichtig zu wissen, dass diese Zeichnung nur eine Linie ist, also ist alles in dieser Zeichnung technisch in Einheit.
Vergleichen und kontrastieren

Fazit

Abschließend können Künstler Objekte um sich herum verwenden, um visuelle Illusionen zu erzeugen, indem sie ihr Unterbewusstsein dazu bringen, eine Meinung zu bilden und einen Traum oder Gedanken auf das Objekt zu projizieren. Indem ein solches unbewusstes Ergebnis auf ein Stück Leinwand übertragen wird, können solche visuellen Illusionen von Träumen oder Fantasien in verschiedenen Kunstwerken wie im Surrealismus gesehen werden.Die Ideen und Themen, die von Surrealisten verwendet werden, hängen wirklich von den Künstlern selbst ab, aber eine gemeinsame Idee ist irgendwie philosophisch, wie Unsterblichkeit, Leben, Erinnerung und Zeit aus verschiedenen Perspektiven zu betrachten, ähnlich wie bei Salvador Dali, aber auch darüber, in das eigene Unterbewusstsein einzutauchen und es in die Realität umzusetzen, ähnlich wie bei Andre Masson. Imagination, Unbewusstes und Bewusstes sind die 3 Hauptideen und Themen des Surrealismus.Surrealistische Kunstwerke können sich im Laufe der Zeit ändern, aufgrund der neuen Ideologien und Objekte, die sie inspirieren können, genau wie in allen Arten von Kunst. Für den Surrealismus würde Veränderung jedoch auch aufgrund unterschiedlicher Denkweisen auftreten, da das Denken vom Unterbewusstsein gemacht wird, daher treten in surrealistischen Kunstwerken, in denen sich das Unbewusste und das Bewusste verbinden, definitiv Veränderungen auf.

Im Surrealismus werden die Gedanken eines Künstlers stärker ausgenutzt, die Ausdrücke werden exponierter und zeigen die persönlichen und kulturellen Überzeugungen, die der Künstler klar hat. Ihre Bedeutungen können je nach Interpretation der Objekte in den Kunstwerken geändert werden, wodurch dem kreativen Ausdruck, der aus den Wurzeln des Geistes der Künstler stammt, eine vielfältige Bedeutung verliehen wird.

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2) Mann, Jon, „How the Surrealist Movement Shaped the Course of Art History“, https://www.artsy.net/article/artsy-editorial-what-is-surrealism, Abgerufen am 2. Mai 2018.

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11) Unbekannter Autor. „SURREALISM“, http://www.tate.org.uk/art/art-terms/s/surrealism, TATE, Abgerufen am 2. Mai 2018.

12) Unbekannter Autor, „Surrealismus (c.1924-2004)“, http://www.visual-arts-cork.com/history-of-art/surrealism.htm, Visual Arts Cork, Abgerufen am 2. Mai 2018.

13) Unbekannter Autor, „The Persistence of Memory“, https://www.moma.org/learn/moma_learning/1168-2, MoMA LEARNING, Zugriff am 2. Mai 2018.14) Voorhies, James, „Surrealism“, https://www.metmuseum.org/toah/hd/surr/hd_surr.htm, Metropolitan Museum of Art, Abgerufen am 2. Mai 2018.Zitieren Sie diesen Artikel als: William Anderson (Schoolworkhelper Editorial Team), „Surrealism: Artists & Characteristics,“ in SchoolWorkHelper, 2019, https://schoolworkhelper.net/surrealism-artists-characteristics/.