Meine Monographie über Catherine Murphy wurde 2016 mit einem Vorwort von Svetlana Alpers veröffentlicht. Ihre aktuelle Ausstellung Catherine Murphy: Recent Work at Peter Freeman (11.Januar – 24. Februar 2018), bestehend aus neun Gemälden und fünf Zeichnungen, ist ihre erste Ausstellung seit der Veröffentlichung des Buches. Vier der Gemälde und zwei der Zeichnungen wurden in der Monographie reproduziert, und ich schrieb ausführlich über eines der Gemälde, „Clasped“ (2013).Mit anderen Worten, mehr als die Hälfte der Ausstellung besteht aus neuen Arbeiten, die noch nie ausgestellt wurden. Dies ist nicht überraschend. Murphy war nie eine schnelle Malerin, Aber sie ist seit langem eine originelle Künstlerin, die den Zuschauern Dinge zeigt, die sie kennen — einen Kirschkuchen, oder ein Haufen zerbrochenen Geschirrs, oder eine Reihe von Schwimmern, die über einen Teich gespannt sind — auf eine Weise, die fesselnd ist, einfach, und äußerst beunruhigend. In Murphys Gemälden und Zeichnungen werden die alltäglichen Dinge des Alltags analog: Der Geist wird auf eine umschriebene Sichtweise losgelassen.

Als beobachtende Malerin, die erstmals in den frühen 1970er Jahren Aufmerksamkeit erregte, entfernte sich Murphy nie von ihren realistischen Wurzeln, aber in den späten 1980er Jahren vergrößerte sie — wie Chuck Close, Alex Katz und Neil Welliver — leinwände. Plötzlich ging es in ihrer Arbeit nicht mehr um Ähnlichkeit, obwohl es in gewisser Weise nie so war. Die Änderung des Maßstabs hob Murphys Arbeit von der direkten Beobachtung in den Bereich der Spekulation und des nach innen Schauens. Es ging um luzides Träumen, um das Kontinuum zwischen der grenzenlosen Vorstellungskraft und der physischen Begrenzung und um die Grenze, an der das Bewusstsein der sichtbaren Welt durch das, was wahrgenommen wird, gestört wird, egal wie gewöhnlich es erscheint. Murphys Arbeit legt nahe, dass nichts neutral gesehen wird, dass die Idee, dass etwas neutral und ohne Inhalt ist, bestenfalls eine Ideologie ist.

Das habe ich über „Clasped“ geschrieben:

In dem Gemälde Clasped (2013) zeigt Murphy eine Nahaufnahme einer Frau, die einen gewöhnlichen schwarzen Wintermantel und zerknitterte schwarze Lederhandschuhe trägt, während sie ein schwarzes, halbkreisförmiges, unscheinbares Ledertaschenbuch umklammert.

Später schrieb ich:

Die Frau, deren Gesicht wir nie sehen und die für uns unsichtbar ist, trägt Stücke abgestorbener Haut, die perfekt zu ihren Händen passen, vielleicht wie eine zweite Haut. Ich sehe die schwarzen Handschuhe, den Mantel und die Handtasche als Beweis für die Schatten, die jeden von uns begleiten, wenn wir uns durch eine Welt des Lichts bewegen, die sich bald hinter uns schließen wird.

Um die letzte Zeile von Wallace Stevens Gedicht „The Snow Man“ zu zitieren, Murphy „sieht / Nichts, was nicht da ist und das Nichts, das ist.“

Zuschauer, die mit Murphys Arbeit nicht vertraut sind, bestaunen die Art und Weise, wie sie einen Knopf malt, wodurch er sich robust anfühlt. Murphy malt keine Bilder, sie malt Dinge. Die roten, gelben, grünen und grauen Reißzwecken in der jüngsten „Painting Drawing Painting“ (2017) scheinen, als ob sie herausgeholt werden könnte. Es ist nicht so, dass sie eine Meisterin der Wahrhaftigkeit ist; Es ist so, dass sie in der Lage ist, das Gefühl der Sache, was auch immer es ist, in Farbe zu verwandeln.

Wie der Maßstab der Bilder deutlich macht, geht es nicht darum, das Auge zu täuschen, sondern darum, Sie einzuladen, über eine gegebene Situation nachzudenken, sei es fünf Stapel Bücher mit vergilbten Seiten, die sich von unten nach oben erheben, wie im quadratischen Gemälde „Stacked“ (2017) oder ein rosa aufblasbarer Ring, der auf einem Teich schwimmt und in der unteren rechten Ecke der Leinwand gestrandet ist „Becalmed“ (2017), durch das Unkraut wächst.

Egal, wie gutartig das Thema Sie zunächst treffen mag – und was könnte wirklich beunruhigend sein an einer Nahaufnahme eines Kirschkuchens, dessen Kruste teilweise entfernt wurde und Kugeln aus klebrigen roten Kirschen enthüllt, die wie Blutzellen zusammengeklumpt sind? Murphys Bilder dürften einen Nerv treffen.

Eine Möglichkeit, wie Murphy an unseren abgestumpften Augen vorbeigeht, ist die Verschmelzung des Themas mit ihrem formalen Bewusstsein der Spannung zwischen Zweidimensionalität und Illusionismus. Andere Geräte, die sie zum Tragen bringt, sind Zuschneiden, Blickwinkel, Farbe, und Licht – mit anderen Worten, das ganze Paket: sie besitzt die akute Sensibilität eines großen Filmemachers, der mit dem Kameramann zusammenarbeitet – dem beleuchteten Glas Milch, das Cary Grant die schattige große Treppe zu Joan Fontaine in Alfred Hitchcocks Misstrauen (1941) hinaufträgt. Und es ist keine Partitur erforderlich, um das beträchtliche Drama von Murphys Stillleben zu betonen.Alles muss innerhalb des Gemäldes passieren, damit es funktioniert — Murphy verlässt sich nicht auf Titel oder andere Tricks, mit denen Künstler Inhalte in ein Bild schleichen. Sie hat keine Formeln und sie macht keine Variationen. Die neun Gemälde und fünf Zeichnungen sind genau das — unterschiedliche Werke, die Murphy vor ihre eigenen Herausforderungen stellten. Wie malt man eine Graphitstudie eines Hirsches, das in den Wald schaut, wie sie es in „Painting Drawing Painting“ tut, einem der Meisterwerke in einer Show, die mit den unangenehmen, unkomplizierten Besonderheiten gefüllt ist, die nur sie erreichen kann.

In „Stacked“ suggerieren die Bücherstapel eine Einzelpunktperspektive, die so subtil ist, dass man sie wahrscheinlich erst nach längerem Hinsehen erkennt. Die dickeren Bücher befinden sich unten und die dünneren Bücher befinden sich in der Regel oben. Wenn Sie dies sehen, stellen Sie fest, dass die verschwenderische Aufmerksamkeit, die Murphy den vergilbten Rändern der Seiten geschenkt hat, nur eines der bezaubernden und angstauslösenden Details des Gemäldes geworden ist. Sie werden auch bemerken, dass es zwei Kopien eines Buches zu geben scheint, wie der Splitter eines gemusterten Umschlags an anderer Stelle des Gemäldes nahelegt. Sobald Sie an diesem Punkt angelangt sind, ist klar, dass es kein Ende des Suchens gibt, keine offensichtliche Schlussfolgerung.

Mit seiner von oben nach unten und von Kante zu Kante mit Büchern gefüllten Oberfläche kann man vermuten, dass es bei „Stacked“ um die Beziehung zwischen Abstraktion und Realismus geht. Dies ist das Schicksal, das Jasper Johns während seiner gesamten Karriere ereilt hat, und es zeigt nur, wie viel Angst wir haben, ein Gemälde zu betrachten, das sich nicht auf einfache Weise ankündigt. Das Thema eines Gemäldes zur Beziehung zwischen Abstraktion und Realismus zu erklären, ist eine allgemein akzeptierte Art, in einer Sicherheitszone zu bleiben, in der das einzige, was diskutiert werden kann, die formalen Probleme sind, die in der Arbeit gelöst werden. In dieser Blase gibt es den geflügelten Streitwagen der Zeit und vieles mehr nicht.

Es gibt keine Abkürzung in Murphys Arbeit: Alles ist mit einer erstaunlichen Menge an notwendigen Details gemalt. Ihre Themen sind weder dramatisch noch banal. Sie ist mit leidenschaftlicher, wenn auch untertriebener Inbrunst für jeden Zentimeter des Gemäldes verantwortlich. Wie ich es sehe, könnte „Gestapelt“ über die Tatsache sein, dass Sie nie alles lesen werden, was Sie wollen, dass Ihre Erfahrung immer partiell und begrenzt sein wird. Oder werden diese Bücher weggeworfen? Ist das Wissen in ihnen auch gealtert, wie ihre vergilbten Seiten? Aber das ist noch nicht alles — das Gemälde hat etwas Klaustrophobisches, etwas Mysteriöses und Animiertes an der Ansicht, die dem Leben selbst treu zu sein scheint.

Deshalb ist Murphy einer unserer größten Künstler. Es ist eine Sache, den Oberflächen unserer Alltagswelt treu zu bleiben, und eine andere, dem Tanz der Melancholie, Freude und Einsamkeit treu zu bleiben, der unser Leben ist. Viele Künstler wissen, dass Murphy einer der ganz Großen ist, und die Qualität, die Svetlana Alpers als ihre „Haltung eines Außenseiters, eines Lauschers, der von der anderen Seite hereinschaut“ beschrieben hat, hat wunderbare Maler wie Ellen Altfest, Josephine Halvorson und Joshua Marsh inspiriert.

1980 schrieb John Ashbery über Edwin Dickinson: „Frage mich noch einmal, ob wir wirklich wissen, wer unsere größten Künstler sind?“ Wie John am Beispiel seiner eigenen Arbeit und seines Lebens gezeigt hat, müssen Sie sich nicht den Forderungen des Mainstreams beugen, mittelmäßig und offensichtlich zu sein, und Ihre Arbeit dumm unterhaltsam oder freundlich pervers machen, um Ihre Relevanz zu beweisen.Catherine Murphy: Die jüngsten Arbeiten in der Peter Freeman Gallery (140 Grand Street, Soho, Manhattan) werden bis zum 24.Februar fortgesetzt