Il surrealismo, è un movimento artistico che sottolinea il subconscio degli artisti, dove l’artista si concentra sulla loro immaginazione, per immagini o per sfruttare giustapposizioni inaspettate. Queste giustapposizioni sono inaspettate, perché l’aspetto delle forme/soggetti non sembra reale e si oppone alla realtà.

Nelle opere surrealiste, i soggetti sembrano fuori dalla realtà, infatti alcune opere surrealiste sono ispirate ai sogni dell’artista. Significa l’unione dei pensieri consci e inconsci, come se un sogno o una fantasia diventassero reali, noti anche come surreali. Il movimento ha fatto trovare agli artisti la bellezza nei soggetti inaspettati e inquietanti. Il mondo surrealista suggerisce oltre la realtà, è una combinazione di realismo e immaginazione.

Quali sono le caratteristiche del Surrealismo?

Nel surrealismo, l’artista scrive i propri pensieri senza alcun arresto o struttura, questo è chiamato scrittura automatica. La giustapposizione delle forme in una pittura surrealista di solito mostra immagini per mettere insieme oggetti irrilevanti. Tuttavia, anche se possono essere irrilevanti, surrealista cercare di mettere associazione tra i 2 oggetti del surrealismo, utilizzando l’inconscio, e rendendo queste associazioni con tali giustapposizioni.

Una caratteristica fondamentale del Surrealismo è che l’artista si basa sul proprio inconscio, ma la realtà e il conscio si combinano con questo stato di coscienza quando l’inconscio trova un modo per esprimere la realtà e renderla nelle tele che questi artisti realizzano. Alcuni artisti possono usare i Sogni e la fantasia per fare un’espressione della realtà, e questo può creare un disegno onirico che ha un significato, mentre altri dipendono semplicemente da dove il loro subconscio li porta, proprio come nell’automatismo.

È possibile utilizzare molte tecniche come il frottage, dove la texture sotto la carta viene impressa sulla carta implementandola utilizzando strumenti come il pastello a cera. Il disegno automatico è un esempio di semplice disegno senza alcuna pianificazione del conscio, mentre la pittura automatica disegnava forme attorno a forme formate casualmente, che possono essere fatte applicando sabbia e colla sulla tela.

Chi sono gli artisti significativi di questo movimento artistico e del loro stile artistico?

Salvador Dali (onirico) – Salvador Dali è stato un surrealista significativo, nato nel 11 maggio 1904 a Figueres (Girona), figlio di Salvador Dali Cusi mano Felipa Domenech Ferres. Nel 1908 nacque Anna Maria, la sorellina di Salvador, e Salvador fu iscritto alla Scuola elementare statale, sotto l’insegnante Esteve Trayter. Nel 1910, fu iscritto in una scuola ispano-francese, per imparare il francese, il suo futuro veicolo culturale.

Nel 1920, è stato accettato all’Accademia di San Fernando a Madrid, poi 4 anni dopo, è stato espulso perché non voleva che le sue opere fossero giudicate dagli esaminatori. Aveva sperimentato il futurismo e il cubismo, in un viaggio a Parigi, Andre Breton gli mostrò il surrealismo. Nel 1925, la sua prima mostra personale si tenne a Barcellona. Dopo di che, è tornato in Catalogna, dove le sue opere diventano più bizzarre e grottesche.

Nel 1938, Salvador fu influenzato dalla psicoanalisi di Sigmund Freud, quando aveva evoluto il suo stile artistico, e fu espulso dal Surrealismo. Nel 1940, ha collaborato con Alfred Hitchcock per creare sequenze oniriche per film come Spellbound. Nel 1950, ha creato 19 tele con temi di religione, storia e scienza, che aveva chiamato, “misticismo nucleare”. Amava l’idea della geometria, del DNA, della divinità e delle illusioni visive. Negli anni ‘ 60, si stava concentrando sullo spazio e sulla scienza, giocando con dimensioni come l’immortalità. Negli anni ‘ 70, la sua salute aveva iniziato a declinare e morì di insufficienza cardiaca il 23 gennaio 1989.

Un enorme effetto sullo stile artistico di Salvador è stato che sua madre era un cattolico religioso, e suo padre era un ateo, che ha mostrato come Salvador ha disegnato su mondi reali combinati con i pensieri e le credenze immaginative, un po ‘ come ciò che è veramente il surrealismo. All’interno del suo incontro con Sigmund Freud, Salvador ha utilizzato la teoria freudiana, dove disegna i suoi sogni e allucinazioni in dipinti resi.

Erotismo, morte e persino decadimento sono temi che si verificano nei suoi dipinti, come parte della sua riflessione sulle teorie della psicoanalisi, aveva disegnato i suoi ricordi d’infanzia deliberatamente come per fare un’autobiografia. Aveva mostrato immagini facilmente interpretabili anche nelle sue opere. Una volta era parte della teoria dell’automatismo di Andre Bretons, ma ha attirato incomprensioni insieme alla sua coscienza. Disegna paesaggi in riva al mare, simili a quelli della sua casa di Figueres. Le sue opere erano più oniriche.

André Breton (Automatism) – André Breton è nato il 19 febbraio 1896, a Tinchebrady, Normandia, Francia. In giovane età, ha imparato a conoscere la medicina e la psichiatria e ha studiato le malattie mentali. Durante la prima guerra mondiale, ha lavorato in reparti psichiatrici a Nantes, mentre guardando le opere di Sigmund Freud.

Nel 1916, si unì al movimento dadaista in Francia, con altri artisti come Man Ray e Marcel Duchamp. Ha avuto grandi opere letterarie troppo, in cui 1920, ha scritto un libro di “Surrealismo” letterario, intitolato “Les Champs magnetiques” (Campi magnetici), che ha iniziato la scrittura automatismo surreale. Nel 1924, fondò il Bureau of Surrealist research per avviare il movimento del Surrealismo. Nel 1935, al “Congresso Internazionale degli Scrittori per la difesa della cultura”, aveva avuto una discussione con altri surrealisti, così tutti i surrealisti furono banditi dal Congresso.

Insieme alla seconda guerra mondiale, era stato nel corpo medico per il suo paese, i francesi. Il governo di Vichy squalificò i suoi scritti, così nel 1941, André era fuggito negli Stati Uniti, dove dal 1953 al 1958, aveva scritto numerose opere, tra cui letteratura, e anche opere d’arte, come “Manifesti di surrealismi”. Dal 1959 al 1965, ha fatto una mostra a Parigi per mostrare tutte le sue opere. André Breton era morto all’età di 70 anni, a Parigi, il 26 settembre 1966.

Lo stile artistico di André Breton lo ha incluso concentrandosi sul collage e sulla stampa, a volte concentrandosi sulla combinazione di testi e immagini. La sua ideologia era quella di combinare l’inconscio con i simboli per esprimersi. Si stava concentrando più sull’automatismo troppo, dove una volta che lo strumento è sulla tela, non avrebbe mai lasciare la tela fino a quando il lavoro è fatto, è come scrivere in corsivo, dove una volta che la matita è sulla carta, sarebbe solo lasciare la carta una volta che una parola è scritta. I tratti dello strumento sono controllati dall’inconscio dell’artista.

Quando e dove è iniziato il surrealismo?

Il surrealismo ha avuto origine tra la fine degli anni 1910 e l’inizio degli anni 20, ed è stato ufficialmente allevato da Andre Bréton, che era un critico e poeta, nato nel 1896 e morto nel 1966, quando aveva pubblicato il Manifesto del Surrealismo.

Quali movimenti artistici sono venuti prima e dopo il surrealismo?

Prima del surrealismo, c’erano alcuni movimenti. Un buon esempio sono i movimenti Dada, che si sono verificati intorno alla prima guerra mondiale, e hanno sfidato la ragione, ma a differenza del movimento Dada, il surrealismo non si è concentrato sulla negazione ma piuttosto sull’espressione positiva. Il surrealismo era anche un’alternativa al cubismo, perché aveva più libertà in termini di forme e forme. L’arte moderna, fatta anche da Salvador Dalì, era avvenuta dopo il surrealismo, si concentrava sulla proiezione dei soggetti nel mondo in base alla prospettiva dell’artista.

Perché il surrealismo è unico tra gli altri movimenti artistici?

Ciò che rende il surrealismo diverso è che l’opera d’arte è più controllata dalla mente inconscia, per vedere la creatività e l’immaginazione nella sua più pura dalla propria mente. A differenza del dadaismo, non era anti-arte, non si limitava alla negazione ed esprimeva opinioni con altri fattori come la politica. Il surrealismo si concentra sulla propria immaginazione, alcuni artisti possono anche usare i loro sogni, ma le opere d’arte non sono chiare, la natura nelle immagini non ha senso, proprio come la natura del nostro inconscio e dei sogni.

A differenza della fantasia, il surrealismo ha una certa realtà in esso, poiché è una combinazione della realtà e dell’inconscio, e esprimono una volta la mente, non solo creando immagini diverse che non esisterebbero nel mondo reale. Nel surrealismo, le immagini possono a volte sembrare incomplete, non piene di molti dettagli, o varietà, mantengono i temi limitati a pochi, ma non troppi, è come scattare una foto della propria mente, non ciò che semplicemente immaginano, o guardano, ma esprimono usando la mente inconscia e il mondo reale cosciente.

In che modo gli artisti surrealisti utilizzano gli oggetti che li circondano per creare le loro opere d’arte?

Gli artisti surrealisti usano gli oggetti che li circondano in molti modi. Per esempio, Salvador Dalì aveva usato oggetti dalla sua memoria d’infanzia per implementare nelle sue opere, è possibile che il paesaggio dal suo dipinto “La persistenza della memoria”, è parte di un mare in uno dei luoghi in cui ha vissuto, come in Catalogna o Figueres. Tuttavia, una spiegazione ragionevole è che gli oggetti che li circondano possono essere usati come stimoli per i loro pensieri subconsci, che il surrealista rende nella tela. L’essenza, o l’opinione dietro quegli oggetti è espressa dall’inconscio, o gli oggetti sono semplicemente combinati dalla prospettiva che l’artista vuole guardare all’opera, come nel “Figlio dell’uomo”.

Analisi

La Persistenza della Memoria di Salvador Dalì

Colore e Valore: L’opera si basa su colori naturali, i colori sono semplicemente basato sul mostrare al pubblico quello che l’oggetto è, non aggiungere qualsiasi espressione in esso. Biru: il cielo è colorato di blu, semplicemente per mostrare che quello è il cielo. Il valore nei colori è regolato a dove dovrebbe andare la luce solare.

Ad esempio: lo sfondo è pieno di colori chiari, che è più caldo, solo per mostrare la luce del sole che riflette la scogliera, l’oceano e, soprattutto, il cielo mostra l’alba/tramonto. Tuttavia, i tavoli sono in colori più scuri, semplicemente perché non molta luce sta raggiungendo lì, e i colori iniziano a diventare un po ‘ più monocromatici lì.

Line: L’opera d’arte usa le linee in modo appropriato, solo per mostrare chiaramente cosa sta succedendo. Gli orologi hanno linee più curve per mostrare che non sono solidi e più di fusione, mentre la tabella utilizza linee geometriche e rette per mostrare che sono rigide.

Forma: le forme sono usate per assicurarsi che il pubblico sappia quali sono gli oggetti, ma le forme degli orologi non sembrano rigide, solo per significare che gli orologi non sono veramente rigidi.

Texture: Il dipinto sembra liscio, in quanto la pittura vuole semplicemente mostrare un paesaggio e un aspetto realistico, quindi lo stile pittorico non richiede tecniche speciali per mostrare altre espressioni.

Spazio: Gli oggetti non sono compatti insieme, la scogliera e l’oceano sono lontani, mentre i mobili e gli orologi sono moderatamente distanti l’uno dall’altro.

Forma: La forma è oggetti 3D resi in forme 2D, che possono sembrare reali, ma lo stato degli orologi è ciò che imposta l’effetto surrealismo, mette questa immagine di orologi non solidi su oggetti solidi reali, combinando i pensieri dell’inconscio con il mondo cosciente in cui sono rese realtà e ricordi. La sua composizione è piena di un ambiente o cielo in aumento, con una scogliera per mostrare una distanza, e l’arredamento del soggiorno per mostrare la posizione degli orologi. In aggiunta a ciò, gli orologi sono la parte più simbolica di questo dipinto, e sono le uniche cose che tipo di aggiungere l’effetto surrealismo, insieme al fatto che un soggiorno è fuori nel dipinto.

Contrasto: La giustapposizione dell’orologio di fusione sul bordo del mobile mostra quanto sia flessibile l’orologio, mostra che l’orologio si sta sciogliendo. Salvador ha usato cose come l’uso per mostrare anche altri effetti, come quando trovi un vecchio posto in decomposizione, è coperto di insetti, reti, ecc. È interessante come uno degli orologi sia coperto di formiche, il che simboleggia che l’orologio potrebbe essere vecchio e decadente. Questa è una tecnica molto buona che Salvador, dove lascia una traccia di ciò che sta accadendo come un oggetto nel dipinto, come un indizio in una scena del crimine. Salvador ha anche aggiunto oscurità, o ombreggiato dietro gli oggetti per mostrare le ombre, e quindi la direzione di dove si trova la fonte di luce.

Ripetizione e pattern: Per dirla semplicemente, non c’è davvero alcun modello nel dipinto. Ci può essere una ripetizione o un motivo, poiché solo gli orologi si sciolgono, ma non nient’altro, mostrando un simbolo, ma anche una regola generale in questo dipinto.

Enfasi: In questo dipinto, diversi colori sono usati per enfatizzare su alcuni oggetti, come la scogliera è colorata di giallo, e l’orologio arancione si distingue semplicemente, e il posizionamento dell’orologio proprio accanto all’orologio arancione è attraente in quanto è l’unico orologio sul bordo di qualcosa. Tutte queste differenze attirano molto bene l’attenzione del pubblico, e questi luoghi mostrano l’argomento generale del dipinto.

Equilibrio: L’equilibrio è mostrato chiaramente sugli orologi, mostrano questo senso di stabilità nell’immagine, e semplicemente si appendono al ramo, al divano o al bordo dei mobili in modo che sembrino statici, quindi sono tutti bilanciati e non si muovono.

Movimento e ritmo: se gli orologi non si muovono, allora cos’altro può muoversi in questo dipinto? Bene, il sole sembra sorgere o tramontare, il che dimostra che il tempo cambia continuamente in quel mondo, forse aggiungendo più importanza a quegli orologi.

Unity: Il divano, il ramo e gli altri mobili lavorano insieme per mostrare l’ambientazione di una stanza interna, forse un soggiorno, e insieme agli orologi, possono essere usati per mostrare che gli orologi si stanno sciogliendo, poiché questi mobili sono luoghi in cui gli orologi possono appendere.

il Disegno Automatico – André Masson

Colore e Valore: I colori sono praticamente assenti nella foto, questo è fondamentalmente un disegno con il colore nero, che può essere utile in quanto è chiaramente visibile sullo sfondo bianco, il disegno è monocromatica, i valori sono semplicemente scuro, con uno sfondo luminoso.

Riga: Le linee sono la parte più significativa dell’immagine, sono continue su tutta l’immagine e si muovono nella direzione in cui il subconscio prende il disegno. Le linee possono avere vari spessori nel tempo.

Forma: Le forme in questo disegno sono varie, le forme disegnate possono rappresentare qualcosa, ma in realtà non mostrano o chiariscono cosa sia quell’oggetto. Questo è come quando immaginiamo, i nostri pensieri possono farci immaginare oggetti, ma non possiamo veramente pensare a qualcosa come dove guardandolo, i dettagli sono appena sufficienti per aiutare la persona a sapere di cosa si tratta quel pensiero. Ad esempio: c’è una mano che tiene una palla nell’angolo in alto a sinistra, e possibilmente un cuore, proprio sopra il centro sul lato destro.

Texture: Non c’è davvero una texture, dal momento che le forme non sono riempite, ma le linee si sentono un po ‘ lisce e abrasive allo stesso tempo, e se dovessimo riempire alcuni oggetti, si sentirebbero più lisce e irregolari.

Spazio: In questo disegno, tutto, le linee, sono così compatte, l’area sulla carta è fondamentalmente consumata, ma c’è ancora spazio lasciato fuori alla periferia del disegno. È come se l’intero disegno fosse anche un oggetto, una forma che rappresenta ciò che il dipinto è tutto.

Modulo: Il disegno sembra semplicemente 2D e tutti gli oggetti in questo disegno sono completamente collegati tra loro, in un solo percorso, solo una linea. La composizione di questo intero disegno può essere spiegata in una semplice linea, ma è come se la linea fosse aggrovigliata in un modo specifico per mostrare oggetti più piccoli come le mani in alcuni punti del disegno.

Contrasto: Non c’è davvero una giustapposizione speciale per cambiare l’aspetto degli oggetti, alcuni oggetti hanno più spazio intorno a loro solo per assicurarsi che siano più visibili. Le linee non sono riempite e nessun oggetto è veramente separato o riempito di colore, quindi gli oggetti non possono essere posizionati per creare un contrasto/giustapposizione.

Ripetizione e pattern: Il disegno non è basato su una ripetizione di qualsiasi dipinto, le linee vanno nella direzione che il subconscio le prende, quindi nessun pattern può essere fatto consapevolmente, e chiaramente non è evidente questo disegno.

Enfasi: L’enfasi viene mostrata solo quando c’è unicità nei disegni. In questo disegno, alcuni oggetti non sono affollati di linee e possono facilmente andare in primo piano e distinguersi. Una cosa che può dare maggiore enfasi agli oggetti in questo disegno è forme riconoscibili, come le mani e i cuori, poiché il subconscio del pubblico rende il pubblico più consapevole dell’esistenza di queste figure riconoscibili.

Equilibrio: Il disegno è completamente sbilanciato, niente di simmetrico, o qualsiasi forma che sia veramente chiara e riconoscibile, o gli oggetti radiali non sono nell’immagine. L’inconscio ha portato le linee a qualsiasi forma che non avrebbe equilibrio, e questo è normale, poiché l’artista lavora di più per creare simmetria, chiarezza, oggetto riconoscibile o oggetto radiale, quindi il conscio ha un ruolo più significativo nel creare quegli oggetti. Tuttavia, questa è una tecnica di disegno automatico, quindi tali oggetti prodotti consapevolmente non possono essere realizzati.

Ritmo del movimento: non ci sono decisioni consapevoli per mostrare molti eventi che vanno nell’immagine, quindi un movimento o un ritmo è possibile.

Unità: Tutto in questa immagine lavora insieme per creare una forma, perché è importante sapere che questo disegno è solo una linea, quindi tutto in questo disegno è tecnicamente in unità.
Confronta e contrasta

Conclusione

In conclusione, gli artisti possono usare gli oggetti intorno a loro per creare illusioni visive facendo sì che il loro subconscio faccia un’opinione e proietti un sogno o un pensiero sull’oggetto. Rendendo tale risultato inconscio a un pezzo di tela, tali illusioni visive di sogni o fantasia possono essere viste in varie opere d’arte, come nel Surrealismo.

Le idee e i temi utilizzati dai surrealisti dipendono davvero dagli artisti stessi, ma un’idea comune è un po ‘ filosofica, come guardare l’immortalità, la vita, la memoria e il tempo da varie prospettive, simile a Salvador Dalì, ma anche di immergersi nel proprio subconscio e renderlo alla realtà, simile ad Andre Masson. Immaginazione, inconscio e conscio sono le 3 idee e temi principali dietro il surrealismo.

Le opere surrealiste possono cambiare nel tempo, a causa delle nuove ideologie, e degli oggetti che possono ispirarle, proprio come in tutti i tipi di arte. Tuttavia, per il Surrealismo, il cambiamento si verificherebbe anche a causa di diversi modi di pensare, poiché il pensiero è fatto dal subconscio, quindi, nelle opere surrealiste, dove l’inconscio e il conscio si combinano, i cambiamenti avvengono sicuramente.

Nel Surrealismo, i pensieri di un artista sono più sfruttati, le espressioni sono più esposte, mostrando le convinzioni personali e culturali che l’artista ha chiaramente. I loro significati possono essere alterati in base al modo in cui i simboli degli oggetti nelle opere sono interpretati, dando così un significato multiplo all’espressione creativa che proviene dalle radici della mente degli artisti.

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