El surrealismo, es un movimiento artístico que hace hincapié en el subconsciente del artista, donde el artista se centra en su imaginación, para obtener imágenes o explotar yuxtaposiciones inesperadas. Estas yuxtaposiciones son inesperadas, porque la apariencia de las formas / sujetos no parece real, y se opone a la realidad.
En las obras de arte surrealistas, los sujetos parecen estar fuera de la realidad, de hecho, algunas obras de arte surrealistas están inspiradas en los sueños del artista. Significa la unión de los pensamientos conscientes e inconscientes, como si un sueño o una fantasía se hiciera real, también conocido como surrealista. El movimiento hizo que los artistas encontraran belleza en los temas inesperados y extraños. El surrealista del mundo sugiere más allá de la realidad, es una combinación de realismo e imaginación también.
¿cuáles son las características del Surrealismo?
En el surrealismo, el artista escribe sus propios pensamientos sin ninguna detención o estructura, esto se llama escritura automática. La yuxtaposición de las formas en una pintura surrealista suele mostrar imágenes para unir objetos irrelevantes. Sin embargo, a pesar de que pueden ser irrelevantes, los surrealistas intentan poner asociación entre los 2 objetos del surrealismo, utilizando el inconsciente, y renderizando estas asociaciones con tales Yuxtaposiciones.
Una característica clave del surrealismo es que el artista confía en su inconsciente, pero la realidad y la conciencia se combinan con este estado de conciencia cuando el inconsciente encuentra una manera de expresar la realidad y convertirla en los lienzos que hacen estos artistas. Algunos artistas pueden usar los Sueños y la Fantasía para expresar la realidad, y esto puede crear un dibujo onírico que tenga significado, mientras que otros dependen simplemente de dónde los lleva su subconsciente, al igual que en el automatismo.
Se pueden usar muchas técnicas diferentes, como el frotado, donde la textura debajo del papel se imprime en el papel implementándolo con herramientas como el crayón de cera. El dibujo automático es un ejemplo de dibujo simple sin ninguna planificación de lo consciente, mientras que la pintura automática dibujaba formas alrededor de formas formadas aleatoriamente, que se pueden hacer aplicando arena y pegamento sobre el lienzo.
¿Quiénes son los Artistas significativos de este movimiento artístico y su estilo artístico?
Salvador Dalí (Onírico) – Salvador Dalí fue un significativo surrealista, nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueres (Girona), hijo de la mano de Salvador Dalí Cusi Felipa Domenech Ferres. En 1908, nació Anna María, la hermana pequeña de Salvador, y Salvador se matriculó en la Escuela Primaria Estatal, bajo la dirección del maestro Esteve Trayter. En 1910, se matriculó en una escuela hispano-francesa, para aprender francés, su futuro vehículo cultural.
En la década de 1920, fue aceptado en la Academia de San Fernando de Madrid, y 4 años después, fue expulsado porque no quería que sus obras fueran juzgadas por examinadores. Había experimentado con el futurismo y el cubismo, en un viaje a París, André Breton le mostró el surrealismo. En 1925, realizó su primera exposición individual en Barcelona. Después de eso, regresó a Cataluña, donde sus obras se vuelven más extrañas y grotescas.
En 1938, Salvador fue influenciado por el psicoanálisis de Sigmund Freud, cuando había evolucionado su estilo artístico, y fue expulsado del surrealismo. En la década de 1940, se asoció con Alfred Hitchcock para crear secuencias de ensueño para películas como Spellbound. En la década de 1950, creó 19 lienzos con temas de religión, historia y ciencia, que había llamado «misticismo nuclear». Le encantaba la idea de la geometría, el ADN, la divinidad y las ilusiones visuales. En los años 60, se estaba enfocando en el espacio y la ciencia, jugando con dimensiones como la inmortalidad. En los años 70, su salud había comenzado a disminuir y murió de insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 1989.
Un gran efecto en el estilo artístico de Salvador fue que su madre era una católica religiosa, y su padre era ateo, lo que mostró cómo Salvador dibujaba sobre mundos reales combinados con pensamientos y creencias imaginativas, algo así como lo que es el surrealismo en realidad. Dentro de su encuentro con Sigmund Freud, Salvador ha utilizado la teoría freudiana, donde dibuja sus sueños y alucinaciones en pinturas renderizadas.
Erotismo, muerte e incluso decadencia son temas que aparecen en sus pinturas, como parte de su reflejo de las teorías del psicoanálisis, había dibujado sus recuerdos de infancia deliberadamente como para hacer una autobiografía. También había mostrado imágenes fácilmente interpretadas en sus obras. Una vez formó parte de la teoría del automatismo de André Bretons, pero dibujó malentendidos junto con su conciencia. Dibuja paisajes junto al mar, similares al de su casa de Figueres. Sus obras eran más de ensueño.André Breton (Automatismo) – André Breton nació el 19 de febrero de 1896 en Tinchebrady, Normandía, Francia. A una edad temprana, aprendió sobre medicina y psiquiatría, y estudió enfermedades mentales. Durante la Primera Guerra Mundial, trabajó en salas psiquiátricas en Nantes, mientras miraba las obras de Sigmund Freud.
En 1916, se unió al movimiento dadaísta en Francia, con otros artistas como Man Ray y Marcel Duchamp. En 1920, escribió un libro de «Surrealismo» literario, titulado «Les Champs magnetiques» (Campos Magnéticos), que comenzó la escritura del automatismo surrealista. En 1924, fundó la Oficina de Investigación Surrealista para iniciar el movimiento del Surrealismo. En 1935, en el «Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura», se había metido en una discusión con otros surrealistas, por lo que todos los surrealistas fueron prohibidos del Congreso.
Junto con la Segunda Guerra Mundial, había estado en el cuerpo médico de su país, los franceses. El Gobierno de Vichy descalificó sus escritos, por lo que en 1941, André había escapado a los Estados Unidos, donde de 1953 a 1958, había escrito numerosas obras, incluyendo literatura, y también obras de arte, como «Manifiestos de Surrealismos». De 1959 a 1965, hizo una exhibición en París para mostrar todas sus obras. André Breton había muerto a la edad de 70 años, en París, el 26 de septiembre de 1966.
El estilo artístico de André Breton lo incluyó centrándose en el collage y el grabado, a veces centrándose en combinar textos e imágenes. Su ideología era combinar el inconsciente con símbolos para expresarse. También se estaba centrando más en el automatismo, donde una vez que la herramienta está en el lienzo, nunca abandonaría el lienzo hasta que el trabajo esté terminado, es como escribir en cursiva, donde una vez que el lápiz está en el papel, solo abandonaría el papel una vez que se escribe una palabra. Los trazos de la herramienta son controlados por el inconsciente del artista.
¿Cuándo y dónde empezó el surrealismo?
El surrealismo se originó a finales de la década de 1910 y principios de la década de 1920, y fue criado oficialmente por Andre Bréton, crítico y poeta, nacido en 1896 y fallecido en 1966, cuando publicó el Manifiesto del Surrealismo.
¿Qué movimientos artísticos vinieron antes y después del surrealismo?
Antes del surrealismo, había algunos movimientos. Un buen ejemplo son los movimientos Dadá, que ocurrieron alrededor de la Primera Guerra Mundial, y desafiaron la razón, pero a diferencia del movimiento Dadá, el surrealismo no se centró en la negación, sino en la expresión positiva. El surrealismo también era una alternativa al cubismo, porque tenía más libertad en términos de formas y formas. El arte moderno, también realizado por Salvador Dalí, había ocurrido después del surrealismo, se centraba en proyectar los temas al mundo a partir de la perspectiva del propio artista.
¿Por qué el surrealismo es único entre otros movimientos artísticos?
Lo que hace diferente al surrealismo es que la obra de arte está más controlada por la mente inconsciente, para ver la creatividad y la imaginación en su estado más puro desde la mente de uno. A diferencia del dadaísmo, no era anti-arte, no se limitaba a la negación y a expresar opiniones con otros factores como la política. Surrealismo centrado en la imaginación, algunos artistas incluso pueden usar sus sueños, pero las obras de arte no son claras, la naturaleza de las imágenes no tiene sentido, al igual que la naturaleza de nuestro inconsciente y los sueños.
A diferencia de la fantasía, el surrealismo tiene algo de realidad, ya que es una combinación de la realidad y el inconsciente, y expresan una mente, no solo inventando diferentes imágenes que no existirían en el mundo real. En el surrealismo, las imágenes a veces pueden sentirse incompletas, no llenas de muchos detalles o variedad, mantienen los temas limitados a unos pocos, pero no demasiados, es como tomar una foto de la mente de uno, no lo que simplemente imaginan o miran, sino que expresan usando la mente inconsciente y el mundo real consciente.
¿Cómo utilizan los artistas surrealistas los objetos que los rodean para crear sus obras de arte?
Los artistas surrealistas usan los objetos que los rodean de muchas maneras. Por ejemplo, Salvador Dalí había utilizado objetos de la memoria de su infancia para implementar en sus obras de arte, es posible que el paisaje de su pintura «La persistencia de la memoria», sea parte de una playa en uno de los lugares en los que vivió, como en Cataluña o Figueres. Sin embargo, una explicación razonable es que los objetos a su alrededor pueden usarse como estímulos para sus pensamientos subconscientes, que el surrealista renderiza en el lienzo. La esencia, o la opinión detrás de esos objetos, se expresa por el inconsciente, o los objetos simplemente se combinan desde la perspectiva que el artista quiere ver la obra de arte, como en el «Hijo del Hombre».
Análisis
La persistencia de la Memoria – Salvador Dali
Color y valor: La ilustración se basa en colores naturales, los colores son simplemente basado en mostrar a la audiencia qué es ese objeto, no agregar ninguna expresión en él. Por ejemplo: el cielo es de color azul, simplemente para mostrar que ese es el cielo. El valor de los colores se ajusta a dónde se supone que vaya la luz solar.
Por ejemplo: el fondo está lleno de colores claros, que son más cálidos, solo para mostrar la luz del sol que se refleja en el acantilado, el océano y, lo más importante, el cielo muestra el amanecer/atardecer. Sin embargo, las mesas están en colores más oscuros, simplemente porque allí no llega mucha luz, y los colores comienzan a volverse un poco más monocromáticos.
Línea: La ilustración utiliza líneas de forma apropiada, solo para mostrar claramente lo que está sucediendo. Los relojes tienen líneas más curvas para mostrar que no son sólidos, y más de fusión, mientras que la mesa utiliza líneas geométricas rectas para mostrar que son rígidos.
Forma: Las formas se utilizan para asegurarse de que el público sepa cuáles son los objetos, pero las formas de los relojes no se ven rígidas, solo para indicar que los relojes no son realmente rígidos.
Textura: La pintura se siente suave, ya que la pintura simplemente quiere mostrar un paisaje y un aspecto realista, por lo que el estilo de pintura no requiere ninguna técnica especial para mostrar otras expresiones.Espacio
: Los objetos no son compactos, el acantilado y el océano están lejos, mientras que los muebles y los relojes están moderadamente separados el uno del otro.
Forma: La forma es objetos 3D renderizados en formas 2D, que pueden parecer reales, pero el estado de los relojes es lo que establece el efecto surrealista, coloca esta imagen de relojes no sólidos en objetos sólidos reales, combinando los pensamientos del inconsciente con el mundo consciente donde se representan las realidades y los recuerdos. Su composición está llena de un escenario o cielo ascendente, con un acantilado para mostrar una distancia, y el mobiliario de la sala de estar para mostrar la ubicación de los relojes. Además de eso, los relojes son la parte más simbólica de esta pintura, y son las únicas cosas que agregan el efecto surrealista, junto con el hecho de que una sala de estar está afuera en la pintura.
Contraste: La yuxtaposición del reloj de fusión en el borde del mueble muestra la flexibilidad del reloj, muestra que el reloj se está derritiendo. Salvador ha usado cosas como el uso para mostrar algunos otros efectos también, como cuando encuentras un lugar viejo en descomposición, está cubierto de insectos, redes, etc. Es interesante cómo uno de los relojes está cubierto de hormigas, lo que simboliza que el reloj puede ser viejo y en descomposición. Esa es una muy buena técnica que Salvador, donde deja un rastro de lo que está sucediendo como un objeto en la pintura, como una pista en la escena de un crimen. Salvador también agregó oscuridad, o sombra detrás de objetos para mostrar las sombras, y así la dirección de dónde está la fuente de luz.
Repetición y patrón: En pocas palabras, no hay realmente ningún patrón en la pintura. Puede haber una repleción o un patrón, ya que solo los relojes se derriten, pero no cualquier otra cosa, mostrando un símbolo, pero también una regla general en esta pintura.
Énfasis: En esta pintura, se utilizan diferentes colores para enfatizar algunos objetos, como el acantilado es de color amarillo, y el reloj naranja simplemente se destaca, y la posición del reloj justo al lado del reloj naranja es atractiva, ya que es el único reloj en el borde de algo. Todas estas diferencias captan muy bien la atención del público, y estos lugares muestran el tema general de la pintura.
Equilibrio: El equilibrio se muestra claramente en los relojes, muestran esta sensación de estabilidad en la imagen, y simplemente cuelgan en la rama, el sofá o el borde de los muebles de una manera que se ven estáticos, por lo que todos están equilibrados y no se mueven.
Movimiento y ritmo: Si los relojes no se mueven, ¿qué más se puede mover en esta pintura? Bueno, el sol parece estar saliendo o poniéndose, lo que muestra que el tiempo está cambiando constantemente en ese mundo, tal vez agregando más importancia a esos relojes.
Unidad: El sofá, la rama y los demás muebles trabajan juntos para mostrar la configuración de una habitación interior, posiblemente una sala de estar, y junto con los relojes, se pueden usar para mostrar que los relojes se están derritiendo, ya que estos muebles son lugares donde los relojes pueden colgarse.
Dibujo automático – André Masson
Color y valor: Los colores están prácticamente ausentes en la imagen, esto es básicamente un dibujo con color negro, que puede ser útil como es claramente visible sobre el fondo blanco, el dibujo es monocromático y los valores son simplemente oscuros, con un fondo brillante.
Línea: Las líneas son la parte más significativa de la imagen, son continuas a lo largo de toda la imagen y se mueven en la dirección en la que el subconsciente lleva el dibujo. Las líneas pueden tener varios espesores con el tiempo.
Forma: Las formas en este dibujo son varias, las formas dibujadas pueden representar algo, pero en realidad no muestran ni aclaran qué es ese objeto. Esto es como cuando imaginamos, nuestros pensamientos pueden hacernos imaginar objetos, pero realmente no podemos pensar en algo como cuando lo miramos, los detalles son suficientes para ayudar a la persona a saber de qué se trata ese pensamiento. Por ejemplo: hay una mano que sostiene una pelota en la esquina superior izquierda, y posiblemente un corazón, justo encima del centro en el lado derecho.
Textura: En realidad no hay una textura, ya que las formas no se rellenan, pero las líneas se sienten un poco suaves y abrasivas al mismo tiempo, y si tuviéramos que rellenar algunos objetos, se sentirían más suaves y con baches.
Espacio: En este dibujo, todo, las líneas, son tan compactas, el área en el papel se consume básicamente, pero todavía queda espacio en las afueras del dibujo. Es como si todo el dibujo fuera también un objeto, una forma que representa de qué se trata la pintura.Formulario
: El dibujo simplemente se ve en 2D y todos los objetos de este dibujo están completamente conectados entre sí, en un solo trazado, una sola línea. La composición de todo este dibujo se puede desenredar en una línea simple, pero es como si la línea estuviera enredada de una manera específica para mostrar objetos más pequeños como manos en algunos lugares del dibujo.
Contraste: En realidad, no hay una yuxtaposición especial para cambiar la apariencia de los objetos, algunos objetos tienen más espacio a su alrededor solo para asegurarse de que sean más visibles. Las líneas no se rellenan, y ningún objeto está verdaderamente separado o lleno de color, por lo que los objetos no se pueden colocar para crear un contraste/yuxtaposición.
Repetición y patrón: El dibujo no se basa en una repetición de ninguna pintura, las líneas se van en la dirección que el subconsciente las toma, por lo que no se puede hacer un patrón conscientemente, y claramente no es evidente este dibujo.
Énfasis: El énfasis solo se muestra cuando hay singularidad en los dibujos. En este dibujo, algunos objetos no están llenos de líneas, y pueden ir fácilmente al frente y sobresalir. Una cosa que puede agregar más énfasis a los objetos en este dibujo son las formas reconocibles, como manos y corazones, ya que el subconsciente de la audiencia hace que la audiencia sea más consciente de la existencia de estas figuras reconocibles.Equilibrio
: El dibujo está completamente desequilibrado, nada simétrico, o cualquier forma que sea verdaderamente clara y reconocible, o los objetos radiales no están en la imagen. El inconsciente ha tomado las líneas a cualquier forma que no tendría equilibrio, y eso es habitual, ya que el artista trabaja más duro para crear simetría, claridad, objeto reconocible u objeto radial, por lo que el consciente tiene un papel más importante en la fabricación de esos objetos. Sin embargo, esta es una técnica de dibujo automático, por lo que tales objetos producidos conscientemente no se pueden hacer.
Ritmo de movimiento: No hay decisiones conscientes para mostrar muchos eventos en la imagen, por lo que es posible un movimiento o un ritmo.
Unidad: Todo en esta imagen trabaja en conjunto para crear una forma, porque es importante saber que este dibujo es solo una línea, por lo que todo en este dibujo está técnicamente en unidad.
Comparar y contrastar
Conclusión
En conclusión, los artistas pueden usar objetos a su alrededor para crear ilusiones visuales haciendo que su subconsciente haga una opinión y proyecte un sueño o pensamiento en el objeto. Al representar un resultado tan inconsciente en una pieza de lienzo, tales ilusiones visuales de sueños o fantasía se pueden ver en varias obras de arte, como en el surrealismo.
Las ideas y temas utilizados por los surrealistas realmente dependen de los propios artistas, pero una idea común es algo filosófica, como mirar la inmortalidad, la vida, la memoria y el tiempo desde varias perspectivas, similar a Salvador Dalí, pero también sobre sumergirse en su propio subconsciente y convertirlo en realidad, similar a Andre Masson. Imaginación, inconsciente y consciente son las 3 ideas y temas principales detrás del surrealismo.
Las obras de arte surrealistas pueden cambiar con el tiempo, debido a las nuevas ideologías, y los objetos que pueden inspirarlas, al igual que en todo tipo de arte. Sin embargo, para el surrealismo, el cambio también ocurriría debido a diferentes formas de pensar, ya que el pensamiento es hecho por el subconsciente, por lo tanto, en las obras de arte surrealistas, donde lo inconsciente y lo consciente se combinan, los cambios definitivamente ocurren.
En el surrealismo, los pensamientos de un artista son más explotados, las expresiones son más expuestas, mostrando claramente las creencias personales y culturales que el artista tiene. Sus significados se pueden alterar en función de la forma en que se interpretan los símbolos de los objetos de las obras de arte, dando así un significado múltiple a la expresión creativa que proviene de las raíces de la mente de los artistas.
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